音と音楽

水谷孝を中心に京都で結成されたバンド。轟音のフィードバックに覆われた演奏と、公式の録音をほとんど残さなかったことで、海賊盤と噂だけが広まる伝説的な存在になった。

チャー坊こと柴田和志と山口冨士夫らの京都のロックバンド。日本語の荒々しい歌と、客席を挑発する演奏で知られ、生前に残した公式作品はライブ盤ひとつだけだった。

PANTAとTOSHIの二人組。過激な政治的歌詞のため、1972年に出るはずだったファースト・アルバムは発売中止になり、セカンドも発売後まもなく回収された。

黒い服と長い髪、サングラス姿で、ギター、声、打楽器、民族楽器を即興で鳴らし続ける音楽家。バンド「不失者」を率い、世界の実験音楽の場で敬意を集めている。

JOJO広重らが結成したノイズ・バンド。初期のライブでは、生ゴミや汚物を撒き散らす過激な演出が伝説になり、出入り禁止になった会場もあった。

秋田昌美によるノイズ・プロジェクト。名はクルト・シュヴィッタースの作品から取られた。途切れない轟音の作品を数百枚も発表し、「ジャパノイズ」の代名詞として海外で知られる。

のちにボアダムスを率いる山塚アイのユニット。ライブハウスの壁をショベルカーで壊すなど、観客にも危険の及ぶ破壊的なパフォーマンスで知られ、出演を断られる会場が相次いだ。

山塚アイ（EYE）を中心とする大阪のバンド。叫びとノイズのパンクから出発し、のちに大勢のドラマーが円になって叩く祝祭的な演奏へ変わっていった。海外のオルタナティブ・ロックにも大きな影響を与えた。

遠藤ミチロウが率いたパンク・バンド。ステージで豚の頭や臓物を客席に投げ込み、全裸になるなどの過激な演出で騒ぎを呼んだ。

江戸アケミが率いた大所帯のバンド。初期は流血をともなう過激なライブで知られ、のちにファンクやアフロビートを取り込んだ踊れる音楽へ向かった。1990年、江戸アケミの急死で活動を終えた。

ゲルニカやヤプーズで歌った歌手・女優。少女、胎児、昆虫などに扮した強烈な演出と、「蛹化の女」「玉姫様」などの歌で、1980年代のサブカルチャーの象徴になった。

有頂天のケラ（ケラリーノ・サンドロヴィッチ）が作ったインディーズ・レーベル。筋肉少女帯、人生（のちの電気グルーヴの前身）、たまなど、奇妙で愉快なバンドを送り出した。

江戸川乱歩の小説から名を取ったハードロック・バンド。1989年に『いかすバンド天国』に出演して注目され、文学や怪奇、津軽の言葉を歌詞にした重い演奏を続けている。

アルトサックスを極限まで鳴らしきる即興演奏で、伝説になったフリージャズの奏者。作家の鈴木いづみと結婚し、29歳で睡眠薬の過剰摂取により亡くなった。

ジャズギタリスト。晩年は、ギターを卓上に置いてさまざまな道具で鳴らす大音量のノイズ演奏「アクション・ダイレクト」に至った。

フリクション、リザード、S-KEN、ミラーズ、ミスター・カイトらが、ライブハウスS-KENスタジオなどを拠点に始めた自主的なロックの運動。日本のパンクとニューウェイヴの出発点とされる。

町田町蔵（のちの作家・町田康）が歌ったパンクバンド。唯一のアルバム『メシ喰うな!』（1981年）の突き放すような言葉は、いまも聴き継がれている。

Phewが歌ったパンクバンド。自主制作のアルバムを一枚だけ残して解散した。Phewはその後、坂本龍一やカンのメンバーとも共演した。

蔦木栄一と蔦木俊二の兄弟が始めたバンド。調子の外れたような言葉と音で、自主制作の世界を長く歩んだ。

暗号のような歌詞と、変拍子を多用する演奏で知られるハードコアのバンド。アルバムの多くが同じ『あぶらだこ』という題で、ファンはジャケットの色などで「青盤」「木盤」と呼び分ける。

横山SAKEVIが率いたハードコアパンクのバンド。暴力的な演奏と、戦争や宗教を題材にした過激な歌詞、火炎放射器を使ったライブで恐れられた。

大阪の女性たちが始めたバンド。お菓子や動物を歌う素朴なパンクが海外で評価され、ニルヴァーナのカート・コバーンに愛された。

巻上公一が率いるバンド。テクノポップの一角として登場したが、演劇的な歌と即興演奏へ進んだ。巻上はトゥバの喉歌ホーメイの紹介者でもある。

P-MODELを率いた音楽家。観客の選択で筋書きが分岐する「インタラクティブ・ライブ」を行い、インターネットで楽曲を配信した先駆けの一人でもある。

小杉武久らが作った即興演奏の集団。電子音や楽器の持続音を延々と鳴らし、1970年代初めにはワゴン車でヨーロッパからインドまで旅をしながら演奏した。

ドラムとベースの二人だけで、目まぐるしく変わる複雑な曲を演奏するバンド。歌詞は意味を持たない造語で歌われる。

大勢の管楽器奏者に、舞踏家や踊り子や美術まで加わる大所帯の楽団。演奏のたびに編成が変わり、祭りのような舞台を作る。

のちに作家となる中原昌也の音楽ユニット。レコードの断片とノイズを乱暴に切り貼りした作品で、海外のノイズの世界でも知られた。

イタリア未来派の画家ルッソロが、機械の時代には騒音こそが音楽の材料になると唱えた宣言。自ら「イントナルモーリ」という騒音発生装置を作り、演奏会を開いた。ノイズ音楽の祖とされる。

ピエール・シェフェールが、録音した汽車や物音をレコードの上で切り貼りし、音楽として組み立てた手法。楽器も楽譜も使わない作曲は、サンプリングの先駆けになった。

偶然や沈黙を音楽に取り入れた作曲家。易経を使って音を決め、「あらゆる音は音楽になりうる」と考えた。キノコの研究家としても知られる。

四人の弦楽器奏者がそれぞれ別のヘリコプターに乗り込み、空を飛びながら演奏する曲。その音と映像は地上の会場に中継され、ローターの轟音と混ざり合って聴衆に届けられた。

1オクターブを43の音に分ける独自の音律を考え、それを鳴らすための楽器を自分で作り続けた作曲家。ガラスの瓶や電球を吊るしたもの、巨大な木琴など、楽器そのものが彫刻のようだった。

人間には弾けない速さと複雑さの曲を、自動ピアノのロール紙に一穴ずつ穴を開けて作曲した人。メキシコシティの自宅でひとり、数十年にわたって『自動ピアノのための習作』を書き続けた。

ジェネシス・P・オリッジらのパフォーマンス集団から生まれたバンド。自らのレーベル「インダストリアル・レコード」の名から、「インダストリアル・ミュージック」という言葉が生まれた。

バンド名は「崩壊する新築建築」の意。鉄板、ドリル、電動工具、高速道路の下の反響までを楽器にして演奏した。

巨大な目玉のマスクとシルクハット姿で知られる匿名のバンド。メンバーの素顔と名前は公表されないまま、50年以上にわたって奇怪なアルバムを出し続けている。

イギリスのバンド、ナース・ウィズ・ウーンドがデビュー盤に付けた、影響を受けた無名の音楽家たちの一覧。のちに実験音楽の収集家たちにとって、宝の地図のように扱われた。

1980〜90年代の企業CMやエレベーター音楽、古いパソコンの画面を切り取り、ゆっくり引き伸ばして流すネット発の音楽ジャンル。ギリシャ彫刻の胸像や、ピンクと水色の画面がお決まりの意匠になった。

ミニマル・ミュージックの源の一人。一つの音を何時間も持続させる作品で知られる。ニューヨークの「ドリーム・ハウス」では、持続音と光の空間を何十年も公開し続けている。

53の短い音型を、奏者それぞれが好きな回数だけ繰り返して進む『イン・C』（1964年）で、ミニマル・ミュージックの流れを決定づけた。晩年は日本に移り住んだ。

街頭の説教師の声を録ったテープを二台の機械で同時に流し、少しずつずれていく音を聴かせる『イッツ・ゴナ・レイン』（1965年）で注目された。

作曲家が部屋で話した声を録音し、それを同じ部屋で再生してまた録音する。繰り返すうちに言葉は消え、部屋の響きだけが残る。

周りのあらゆる音に耳を開く「ディープ・リスニング」を唱えた作曲家。巨大な地下貯水槽の中で、45秒も続く残響とともに録音したアルバムがある。

サティが残した短いピアノ曲。840回繰り返すようにとも読める書き込みがあり、1963年、ジョン・ケージらが交代で18時間以上かけて演奏した。

ラジオやテレビの効果音と電子音楽を作ったBBCの部署。デリア・ダービーシャーが、テープの切り貼りで『ドクター・フー』のテーマ曲（1963年）を作り上げた。

夫婦で、自作の電子回路が壊れていく音を録音して音楽を作った。映画『禁断の惑星』（1956年）の音楽は、「電子的音調」と書かれて映画史上初の全編電子音楽になった。

古い録音テープのループをデジタル化しようと再生したところ、テープの磁気が剥がれて音が少しずつ崩れていった。その過程をそのまま作品にした。完成は2001年9月11日の朝だったという。

古いダンス音楽のレコードを素材に、認知症が進んでいく過程を6段階で表した6時間半の作品。後半になるほど音は崩れ、ノイズの中に溶けていく。

空港の不安をやわらげるために作られた、ゆっくりと重なりあう音楽。イーノは「聴いても聴き流してもよい」音楽を「アンビエント」と名づけた。

ジョージ・マチューナスのもとに集まった芸術家たちの運動。ピアノを壊す、指示を書いたカードを演奏する、といった「イベント」を行った。オノ・ヨーコや刀根康尚らも関わった。

ウィリアム・ベネットが率いたノイズのバンド。耳を刺す高音の電子音と叫び声で、「パワー・エレクトロニクス」と呼ばれる分野を作った。

短波ラジオで、合成音声や人の声が延々と数字を読み上げ続ける正体不明の放送局。諜報員への暗号の指令と考えられている。録音を集めた『コネット・プロジェクト』（1997年）が出ている。

カナダの作曲家シェーファーが唱えた「音の風景」の考え方。街や自然の音を記録し、耳で環境をとらえ直そうとした。

自分は土星から来たと語り、エジプト風の衣装をまとったジャズ・ミュージシャン。楽団「アーケストラ」を率いて宇宙と神話を歌い、電子楽器もいち早く取り入れた。

盲目の音楽家ルイス・ハーディン。ヴァイキングの兜をかぶってニューヨークの6番街の角に立ち、自作の楽器で演奏した。独自の対位法による作品は、のちのミニマル音楽の作曲家たちに敬われた。

ドン・ヴァン・ヴリートの芸名。フランク・ザッパの制作で出した『トラウト・マスク・レプリカ』（1969年）は、ブルースをばらばらに組み直したような演奏で、聴く者を困惑させながら後世の音楽家たちに崇められた。

父親の命令でバンドを組まされた三姉妹。リズムも音程もそろわないまま録音されたアルバム『Philosophy of the World』（1969年）は、のちに「最悪にして無垢」な名盤として再評価された。

自宅でカセットテープに歌を録音し、手描きのジャケットで配った歌手。カート・コバーンが彼の絵のTシャツを着ていたことで広く知られた。心の病を抱えながら、無垢な歌を作り続けた。

テキサスの「コーウッド・インダストリーズ」から、調律の狂ったギターと呟くような歌のアルバムを70枚以上出し続けている謎の人物。長くインタビューも写真もほとんどなく、正体は伏せられてきた。

ウクレレを弾きながら、裏声で古い流行歌を歌った歌手。「Tiptoe Through the Tulips」（1968年）がヒットし、テレビ番組の生放送で行った結婚式は大きな話題になった。

ロサンゼルスの路上で、10セントで自作の歌を歌っていた人。フランク・ザッパに見いだされてアルバムを出し、アウトサイダー音楽の代表的な存在になった。

ロンドンの自宅アパートを録音スタジオにしたプロデューサー。『テルスター』（1962年）を世界的なヒットにした。オカルトに傾倒し、バディ・ホリーの命日に家主の女性を撃ち、自らも命を絶った。

音程もリズムも外れた歌を、自信たっぷりに歌い続けたソプラノ歌手。1944年のカーネギー・ホールの独唱会は満員になり、その1か月後に亡くなった。

音痴気味の歌で流行歌を歌ったアルバムが、1966年にヒットした女性。本人はまじめに歌っていたが、笑い物として売られていたことに後で気づいたという。

叫び声とでたらめなラッパ、太鼓で押し通す『パラライズド』（1968年）で知られるロカビリー歌手。デヴィッド・ボウイの「ジギー・スターダスト」の名の由来の一つとされる。

統合失調症を抱えながら、同じ伴奏のキーボードに乗せて何百曲も歌った歌手。ファンに頭突きで挨拶をし、どの曲も広告の文句で締めくくった。

サイケデリック・ロックの先駆け、13th・フロア・エレベーターズの歌手。大麻所持で精神病院に送られ、電気ショック療法を受けた。のちに怪物や悪魔を歌う独自の曲を作った。

ピンク・フロイドの創設者。LSDの影響もあって精神の調子を崩し、バンドを離れた。二枚のソロ作ののち音楽を完全にやめ、故郷ケンブリッジで絵を描き庭仕事をして暮らした。

モビー・グレイプのギタリスト。精神病院を出たその足でナッシュビルに向かい、一人で全部の楽器を演奏して唯一のソロ作『オアー』（1969年）を録音した。

ギターを弾きながら足でドラムを叩き、一人で録音したロカビリー歌手。首を切り落とす歌や、ホットドッグの歌を叫ぶように歌った。

手作りの電子楽器とシンセサイザーで、子ども向けのダンスのレコードを作った音楽家。のちの電子音楽の先駆けとして再評価された。

せかせかした楽曲『パワーハウス』は、ワーナーのアニメで工場の場面の定番曲になった。のちに自動で作曲する電子装置「エレクトロニウム」の開発に没頭した。

羽根の付いたヘルメットをかぶり、カシオのキーボードで流行歌を歌ったサンフランシスコの路上演奏者。

舞台で自分の体を傷つけ、客と殴り合い、排泄までしたパンク歌手。ステージで自殺すると予告し続けたが、薬物の過剰摂取で亡くなった。

ジャドとデヴィッドのフェア兄弟が始めたバンド。楽器を習わずに、ひたすら純粋な情熱で演奏する。カート・コバーンらに愛された。

自宅録音のカセットを何百本も作り、手紙で注文を受けて売った。宅録音楽の祖と呼ばれる。

レフ・テルミンが発明した、体に触れずに演奏する電子楽器。二本のアンテナに手を近づけたり離したりして音の高さと大きさを変える。SF映画の不気味な音に多く使われた。

モーリス・マルトノが発明した電子楽器。指輪に付けた紐を引いて音程を滑らかに変える。メシアンの『トゥーランガリラ交響曲』で使われた。

初期の電子楽器。オスカー・サラが生涯をかけて発展させ、ヒッチコックの映画『鳥』（1963年）の鳥の鳴き声や羽音をこの楽器で作った。

回転するガラスのお椀の縁を濡れた指でこすって鳴らす楽器。その澄んだ音は、奏者や聴き手の心を狂わせるという噂が広まった。

鍵盤を叩くと、並べた猫の尻尾に釘が刺さり、猫が鳴いて音階を奏でるという想像上の楽器。学者アタナシウス・キルヒャーの著作などに登場する。実際に作られた記録はない。

胴の代わりに金属のラッパを付けたヴァイオリン。蓄音機の録音で大きな音を拾うために作られた。

大工の使う鋸を曲げて弓でこすり、震えるような音を出す。テルミンに似た幽霊のような響きがする。

ガラス管の中で炎を燃やして音を出す「火のオルガン」。物理学者フレデリック・カストネルが作った。

洞窟の鍾乳石をゴムの槌で叩いて鳴らす巨大なオルガン。数エーカーに広がる鍾乳石に鍵盤からの配線をつなぎ、調律のため削った。

海沿いの石段の下に管を仕込み、波が押し寄せるたびに空気が押し出されて鳴るパイプオルガン。演奏者は海そのものである。

薄い木の板を弓でこすり、別の木片で押さえて音程を変える楽器。人の声や動物の鳴き声のような、奇妙な音が出る。

金属の鍵盤をペンで触れて鳴らす小さな電子楽器。デヴィッド・ボウイが『スペイス・オディティ』で使った。

タイプライターの鍵盤をヒントに作られた、ボタンを押さえて弾く弦楽器。大正時代に大流行し、アジア各地に広まった。

青い作業服を着た「社長」が、ナンセンスな機械を「製品」として発表し、ライブで演奏する芸術ユニット。魚の骨の形をした電源コードなどがある。

青森出身の歌手。「小便だらけの湖」などの、叩きつけるような言葉と声で1970年代のフォークの中でも異彩を放った。

秋田の言葉のまま絶叫するように歌う歌手で、画家でもある。競輪を愛し、ちあきなおみにも曲を書いた。

サングラスとカーリーヘアで素顔を見せず、死と喪失を静かに歌った歌手。1983年に活動をやめたが、1993年にドラマ『高校教師』の主題歌として『ぼくたちの失敗』が大ヒットした。

寺山修司の演出で新宿の蠍座に出演して知られた歌手。いつも黒い服で、ブルースとジャズを低い声で歌った。

1975年にデビューした歌手。五寸釘で藁人形を打つ「呪い」など、暗く激しい情念の歌で知られる。

早川義夫が歌ったバンド。『からっぽの世界』など、孤独と狂気を描いた歌は当時ほとんど売れなかったが、のちに日本のロックの原点として評価された。

『赤色エレジー』（1972年）で知られる歌手。林静一の漫画をもとにした曲で、大正や昭和初期の浪漫と、少女と宇宙への憧れを歌い続けている。

寺山修司が作詞し、カルメン・マキが歌った曲。母のいない子の孤独が、ささやくような歌い方で表される。母という主題に長くこだわった寺山の、歌謡曲における代表作のひとつ。

1969年に寺山修司作詞の『時には母のない子のように』で歌手として注目され、寺山の天井桟敷にも参加した。のちにロックに転向し、カルメン・マキ＆OZで日本のハードロックを開拓した。

細野晴臣、大滝詠一、松本隆、鈴木茂が組んだバンド。日本語の詞を、英語のロックのリズムにのせる試みで、日本語ロックの出発点とされる。解散後もメンバーはそれぞれ日本のポップスを大きく作り変えた。

細野晴臣、高橋幸宏、坂本龍一による電子音楽のグループ。シンセサイザーとコンピュータを使った音楽で、日本から世界に届き、のちのテクノやヒップホップにも影響を与えた。1983年に「散開」した。

有頂天のケラ（現・ケラリーノ・サンドロヴィッチ）が、自主制作のレコードを出すために作ったインディーズ・レーベル。筋肉少女帯、たまなど、後に人気を集めるバンドを世に出した。ジャケットのイラストや、ふざけたセンスも含めて、80年代のサブカルチャーを代表する。

坂本慎太郎を中心とする3人組のロックバンド。サイケデリックなギターと、とぼけた歌詞で独自の世界を作り、海外でも評価された。2010年に解散した。